martes, 7 de agosto de 2012

HISTORIA DEL FAMOSO CARTEL DE HOLLYWOOD


Cuando vemos el famoso Cartel de Hollywood, en la ciudad de Los Angeles, California, lo primero que pensamos es en el mundo del cine. Pero lejos de lo que imaginemos, su origen nada tiene que ver con la pantalla grande, ya que el primer estudio cinematográfico nació en 1911 y las letras no se instalaron sino hasta 1923.
Las letras del cartel (que miden mas de trece metros de altura) fueron ubicadas por una empresa de bienes raíces que tenía intención de vender lotes en esa colina. La idea fue de la mujer de un promotor de inmuebles.
El nombre proviene de las palabras inglesas “holly” (acebo: arbusto silvestre de hojas perennes, brillantes, duras y espinosas, con flores pequeñas y blancas y fruto en forma de pequeñas bolas rojas.) y “wood” (bosque), pero en un principio decía “Hollywoodland”. Años mas tarde la industria del cine lo convirtió en un cartel conocido mundialmente, reconocido como icono de las estrellas y del cine. Luego de la quiebra de la empresa de bienes raíces, el letrero tuvo cambios, quitándole las últimas letras y dejando solo “Hollywood“.


En un principio las letras hacían de soporte a 4.000 bombillas que se encendían por la noche, pero tras el fracaso de la venta de parcelas por diversas causas —entre las que se encontraba la oposición municipal— se abandonó el letrero y su mantenimiento. Así que en 1940, la Cámara de Comercio de Hollywood decidió hacerse cargo del cartel que se había deteriorado y en 1949 eliminó las bombillas y las últimas cuatro letras y le dio unas generosas capas de pintura. Ahora se leía Hollywood y se había convertido en mural propagandístico de la capital del séptimo arte.
En 1973 fue declarado Monumento cultural histórico y en 1978 una nueva versión del letrero sustituyó al destartalado original, que fue vendido por la Cámara de Comercio de Hollywood a Hank Berger, un promotor de nightclubs, que pagó 10.000 dólares por él.
Para la construcción del nuevo emblema, Hugh Hefner —fundador de la revista Playboy— realizó una fiesta en la mansión de las conejitas para recaudar fondos. En dicho evento cada uno de los patrocinadores asumió el coste de una letra mediante subasta. Estas nuevas letras son más consistentes, de menor altura y casi un metro más anchas.
Los antiguos caracteres estuvieron olvidados hasta que, en 2003, Dan Bliss se hizo con ellas para venderlas de nuevo a través de Internet. Se subastaron en eBay a finales del 2005, con un precio de salida de 300.000 dólares.
El cartel fue diseñado por Thomas Fisk y costó inicialmente 21.000 dólares.

Aunque el letrero puede encerrar diferentes historias, una de las más macabras, es la que le diera la actriz Peg Entwistle, al subir a la altura de la letra “H” y lanzarse al abismo, suicidándose así, por sus ínfimos logros en el cine y su trabajo. 

Investigación Gustavo Taormina

FREDDIE MERCURY


Freddie Mercury (nombre de nacimiento: Farrokh Bulsara, en Guyaratí, Zanzíbar, Tanzania, 5 de septiembre de 1946 – †Londres, 24 de noviembre de 1991) fue un músico británico, conocido por haber sido el vocalista de la banda de rock Queen. Como intérprete, ha sido reconocido por su poderosa voz y extravagantes puestas en escena. Como compositor musical, escribió muchos éxitos, tales como "Bohemian Rhapsody", "Killer Queen", "Somebody to Love", "Don't Stop Me Now", "Crazy Little Thing Called Love", "Barcelona" y "We Are the Champions". Se estima que Queen llegó a vender 300 millones de álbumes en todo el mundo con Mercury como líder.

Además de su trabajo con Queen, Freddie Mercury tuvo una carrera como solista y ocasionalmente fue productor y participó en eventos como músico invitado para otros artistas. Mercury, que era parsi y fue criado en la India, está considerado "la primera estrella de rock asiática en Gran Bretaña". Murió de una bronconeumonía complicada por el sida el 24 de noviembre de 1991, sólo un día después de comunicar oficialmente que padecía esta última enfermedad. En 2006, la revista Time Asia lo nombró como uno de los héroes asiáticos más influyentes de los últimos sesenta años y continúa siendo votado por la gente como uno de los mejores cantantes en la historia de la música popular. En 2005, en una encuesta organizada por Blender y MTV2 salió nombrado el mejor cantante masculino de todos los tiempos. En el 2009 una encuesta de la revista Classic Rock lo colocó en el primer puesto entre los mejores cantantes de rock de todos los tiempos. En 2008, la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto dieciocho en su lista de los mejores vocalistas de todos los tiempos, reflejando la opinión de la editorial de la revista. Por su parte, Allmusic definió a Mercury como "uno de los líderes más carismáticos y dinámicos en la historia del rock". Una encuesta hecha por The Sun, que pretendía encontrar al "Máximo dios del rock", situó a Mercury en el puesto número uno.

Infancia y primeros años
Mercury nació en la isla de Zanzíbar (Tanzania) el 5 de septiembre de 1946. Sus padres, Bomi y Jer Bulsara, eran parsis de la región de Gujarat, parte de la Presidencia de Bombay en la India Británica. El apellido de la familia se deriva de la ciudad de Bulsar (conocida también como Valsad), en el sur de Gujarat. Como los parsis, Freddie Mercury practicaba la religión zoroástrica y estaba orgulloso de su ascendencia persa. La familia Bulsara se había mudado a Zanzíbar debido a una orden recibida por su padre en su trabajo como diplomático. Mercury tenía una hermana menor, llamada Kashmira.
En 1954, a la edad de ocho años, fue enviado a estudiar al St. Peter's School, un internado para varones en Pachgani, cerca de Bombay, en la India. En dicho colegio, formó parte de una banda llamada The Hectics, donde tocaba el piano. Un amigo suyo de aquella época decía que el cantante tenía "una increíble habilidad para escuchar la radio y reproducir las melodías en el piano". Fue también en St. Peter's donde empezó a ser más conocido como Freddie. Mercury pasó en la India la mayor parte de su infancia, viviendo con su abuela y su tía. Terminó su educación en St. Mary's School, en Bombay.
A los diecisiete años, Mercury y su familia huyeron de Zanzíbar por razones de seguridad debido a la Revolución de Zanzíbar. La familia se mudó a una pequeña casa en Feltham (Middlesex, Inglaterra). Mercury se inscribió en la universidad de West Thames, donde estudió arte. Recibió allí un diploma en Diseño Gráfico y más adelante usaría su habilidad para crear el logotipo de Queen. Mercury permaneció radicado en Inglaterra durante el resto de su vida.
Después de su graduación, Mercury se integró en una serie de bandas y solía vender ropa de segunda mano en el Kensington Market en Londres. Además tuvo un trabajo en el Aeropuerto de Londres-Heathrow. Sus amigos de la época lo caracterizaron como una persona tímida y tranquila que tenía mucho interés por la música. En 1969, participó en la banda Ibex, que sería renombrada Wreckage más adelante. Cuando esta banda se disolvió, formó otra llamada Sour Milk Sea. Sin embargo, dicho grupo se disolvió a mediados de 1970.
En abril de 1970, Mercury conoció al guitarrista Brian May y al batería Roger Taylor, quienes previamente habían estado en una banda llamada Smile. Pese a las reservas de los otros miembros, Mercury eligió el nombre "Queen" para la nueva banda. Luego diría sobre esto: "Estaba prevenido sobre las connotaciones gay, pero eso es sólo una faceta del nombre".24 En aquel tiempo, también cambió su apellido a Mercury, debido a que según sus propias palabras, en la canción "My Fairy King", en el verso "Mother Mercury, look what they've done to me", cantaba sobre su propia madre. Consideraba que el nombre "Freddie Mercury" tenía "poder".

Vida personal  
A principio de la década de 1970, Mercury tuvo una relación de larga duración con Mary Austin, a quien conoció gracias a Brian May y vivió con ella muchos años en West Kensington. A mediados de dicha década, el cantante tuvo un encuentro amoroso con un ejecutivo de la compañía Elektra Records, que acabó con la relación que tenía con Austin. Mercury y Austin mantuvieron una cercana amistad a lo largo de los años y el cantante se refería a ella como su única amiga de verdad. En una entrevista de 1985, afirmó: "Todos mis amantes me preguntan por qué no puedo reemplazar a Mary Austin, pero eso es sencillamente imposible. La única amiga que tengo es Mary y no quiero a nadie más. Para mí, ella es como una esposa. Para mí era como un matrimonio. Confiamos en el otro, eso me basta".27 Escribió muchas canciones sobre Austin, entre las cuales se destaca "Love of My Life". Mercury fue además el padrino del hijo mayor de Austin, Richard.
Hacia el año 1985, Mercury inició otra relación de larga duración con un peluquero llamado Jim Hutton, que descubrió en 1990 que era portador del virus VIH y vivió con Mercury los últimos seis años de la vida de éste. Hutton falleció de cáncer de pulmón el 1 de enero de 2010.
Pese a haber cultivado una personalidad muy extravagante, Mercury era una persona tímida y reservada, especialmente con los que no conocía bien. Además solía dar pocas entrevistas. Una vez dijo de sí mismo: "Cuando estoy en el escenario soy muy extrovertido, pero por dentro soy completamente diferente".

Muerte 
Según su pareja, Jim Hutton, a Mercury le diagnosticaron sida después de la Pascua de 1987. Por aquella época, Mercury dijo en una entrevista no padecer esta enfermedad. Pese a estas negaciones, la prensa británica alimentó rumores sobre esta posible enfermedad debido a la apariencia de Mercury y a que Queen no realizaba giras ni conciertos. Hacia el final de su vida, muchos periodistas le tomaron fotografías, mientras que The Sun sugería que estaba realmente muy enfermo.
El 22 de noviembre de 1991, Mercury llamó al mánager de Queen, Jim Beach, para discutir un asunto público. Al día siguiente, se realizó el siguiente anuncio en nombre del cantante:
Siguiendo la enorme conjetura de la prensa de las últimas dos semanas, es mi deseo confirmar que padezco sida. Sentí que era correcto mantener esta información en privado hasta el día de la fecha para proteger la privacidad de los que me rodean. Sin embargo, ha llegado la hora de que mis amigos y seguidores conozcan la verdad y espero que todos se unan a mí y a mis médicos para combatir esta terrible enfermedad. Mi privacidad ha sido siempre muy importante para mí y soy famoso por prácticamente no dar entrevistas. Esta política continuará.
Al poco tiempo de haber redactado este informe, el 24 de noviembre de 1991, Mercury murió a la edad de 45 años. La causa oficial de su muerte es bronconeumonía complicada por el sida. Pese a que no era una persona religiosa, su funeral fue dirigido por un sacerdote zoroástrico. Elton John, David Bowie y los miembros de Queen estuvieron presentes. Mercury fue cremado y sus cenizas reposan en algún lugar aún desconocido. Se rumorea que fueron esparcidas por Mary Austin a lo largo del Lago Lemán en Suiza, donde Mercury vivió sus últimos años y donde se halla su monumento conmemorativo, concretamente en la ciudad de Montreux. También se dice que reposan a los pies del enorme roble que corona el jardín de lo que fue su residencia Garden Lodge, en Kensington, así como también repartida entre varios teatros londinenses; ninguna de estas afirmaciones han podido ser comprobadas hasta el día de hoy.
En su testamento, Mercury legó la mayoría de sus bienes, incluyendo su casa y los derechos de autor sobre sus canciones, a Mary Austin, y el resto a sus parientes y a su hermana Kashmira. Además dejó quinientas mil libras para su cocinero Joe Fanelli y la misma suma para su asistente Peter Freestone y Jim Hutton, y cien mil para su chofer Terry Giddings. Mary Austin continúa viviendo en la casa de Mercury, llamada Garden Lodge, en Kensington con su familia. Hutton se mudó a Irlanda en 1995, donde murió el 1 de enero de 2010. Escribió algunos libros sobre la vida de su pareja, entre ellos Mercury and Me y Freddie Mercury: The Untold Story y dio diversas entrevistas para varias publicaciones.

Carrera como cantante
Pese a que la voz de Mercury al hablar recaía en el rango de barítono, usualmente cantaba en el registro de tenor. Un crítico describió su voz diciendo que "[en] la escala de algunos compases, de un profundo tenor, va de un gruñido tipo rock gutural de licitación a vibrante, y luego a un tono de alta coloratura, perfecta, pura y cristalina en la parte alta". La soprano española Montserrat Caballé, a quien conoció en el Hotel Ritz de Barcelona y con quien Mercury grabó un álbum, expresó su opinión diciendo que "la diferencia entre Freddie y la mayoría de las estrellas de rock es que él vendía la voz". A medida que la carrera de Queen iba progresando, Mercury reemplazaba las notas más agudas de las canciones que interpretaba en directo cantándolas en otras octavas más graves. Padecía de nódulos vocales y dijo nunca haber tomado clases de canto.

Como compositor
Mercury escribió diez de las diecisiete canciones incluidas en el álbum Greatest Hits: "Bohemian Rhapsody", "Seven Seas of Rhye", "Killer Queen", "Somebody to Love", "Good Old-Fashioned Lover Boy", "We Are the Champions", "Bicycle Race", "Don't Stop Me Now", "Crazy Little Thing Called Love" y "Play the Game".
El aspecto más notorio de su estilo de composición es el amplio rango de géneros de sus obras, que incluye, entre otros estilos, rockabilly, rock progresivo, heavy metal, gospel y música disco. Como explicó en una entrevista en 1986: "Odio hacer lo mismo todo el tiempo. Me gusta ver lo que está sucediendo en este momento en la música, el cine y el teatro e incorporarlo". Comparado con otros artistas, Mercury ha compuesto también obras muy complejas. Por ejemplo, "Bohemian Rhapsody" tiene una estructura poco común y contiene docenas de coros simulando un coro operístico. Por otra parte, "Crazy Little Thing Called Love", contiene pocos coros. Pese al hecho de que Mercury compuso armonías muy intrincadas, como es el caso de "The March of the Black Queen", él declaró que le costaba leer música. Ha escrito la mayoría de sus canciones utilizando un piano en varias claves y tonalidades.


Actuaciones en directo
Mercury era famoso por sus actuaciones en directo, y recorrió muchos países realizando giras musicales con Queen. Poseía un estilo teatral que a veces requería la participación del público. Un crítico de la revista británica The Spectator lo describió como "un cantante que excita y encanta a su audiencia con varias y extravagantes versiones de sí mismo". David Bowie, quien actuó en el concierto homenaje a Freddie Mercury y grabó la canción "Under Pressure" con Queen, alabó el estilo de Mercury para conducirse en el escenario al afirmar que: "Entre los conciertos de rock más teatrales, Freddie fue el más sobresaliente. Y, por supuesto, siempre he admirado a los hombres que usan trajes de malla. Solo lo vi una vez en concierto y, como dicen, era definitivamente un hombre que podía tener a su audiencia en la palma de la mano".
Una de las actuaciones en directo más destacables de Queen tuvo lugar en el concierto Live Aid en 1985, durante el cual todo el público (aproximadamente 72.000 personas) aplaudía y cantaba al unísono. En una votación, un grupo de ejecutivos eligió este concierto como la mejor actuación en directo de la historia del rock. Los resultados de esta votación fueron transmitidos en un programa de televisión llamado "The World's Greatest Gigs". Un crítico escribió sobre el Live Aid en 2005: "Aquellos que se dedican a crear listas de los mejores líderes de bandas de rock y reservan los primeros lugares para Mick Jagger, Robert Plant, etc, cometen un terrible error. Freddie, por su actuación en el Live Aid, es el mejor de ellos".
Durante su carrera, Mercury participó en aproximadamente setecientos conciertos en muchos países con Queen. El cantante una vez explicó: "Somos el Cecil B. DeMille del rock, siempre queremos hacer las cosas mejor". La banda fue el primer grupo británico en tocar en estadios de Latinoamérica, rompiendo el récord mundial en mayor cantidad de público en el estadio Morumbi en São Paulo en 1981. En 1986, Queen también tocó tras el Telón de Acero en Budapest, frente a ochenta mil personas. La última actuación en directo de Mercury con Queen tuvo lugar el 9 de agosto de 1986 en Knebworth, concierto al que asistieron trescientas mil personas.

Instrumentos
Cuando era niño, en la India, empezó a tomar clases de piano a los nueve años. Más adelante, cuando se mudó a Londres, aprendió a tocar la guitarra. La mayoría de la música que le gustaba se basaba fuertemente en acompañamiento de guitarra: sus artistas favoritos de aquella época eran The Who, The Beatles, Jimi Hendrix, David Bowie y Led Zeppelin. Era muy autocrítico en cuanto a su habilidad para tocar ambos instrumentos y, desde principios de los años ochenta, comenzó a tocar el teclado para Queen, y también para otros artistas como músico invitado. Debido a esta característica de su personalidad, contrató a Fred Mandel (un músico estadounidense que había trabajado para Pink Floyd, Elton John y Supertramp) para su primer trabajo como solista, y desde 1985 trabajó con el pianista Mike Moran, quien era su teclista.
Mercury tocó el piano en muchas canciones de Queen, incluyendo "Killer Queen", "Bohemian Rhapsody", "Good Old Fashioned Lover Boy", "We Are the Champions", "Somebody To Love" y "Don't Stop Me Now". Usaba pianos de cola para conciertos y a veces hasta el clavecín. A partir de la década de 1980 además empezó a usar sintetizadores. El guitarrista de Queen, Brian May, dijo que Mercury no estaba conforme con su manera de tocar el piano y en los conciertos delegaba dicha función porque prefería caminar por el escenario. Pese a que escribió muchas líneas de guitarra, Mercury solo poseía rudimentarias habilidades para ejecutar dicho instrumento. "Ogre Battle" y "Crazy Little Thing Called Love" fueron compuestas sobre una guitarra acústica. En las actuaciones en directo, Mercury usaba dicho instrumento para interpretar esta última canción.


Carrera solista
Además de su trabajo con Queen, Mercury grabó dos álbumes como solista y lanzó muchos sencillos. Pese a que sus trabajos no fueron tan comercialmente exitosos como sus álbumes con Queen, éstos debutaron entrando en el Top 10 de las listas británicas.
Los álbumes de Freddie Mercury como solista fueron Mr. Bad Guy (1985) y Barcelona (1988). El primero tiene un estilo basado en la música pop y disco. Barcelona, por el contrario, fue grabado junto a la cantante de ópera Montserrat Caballé, a quien admiraba profundamente. Mr. Bad Guy figuró, en su lanzamiento, en el décimo puesto en las listas de venta de Inglaterra. En 1993, una versión remezclada de "Living On My Own", un sencillo del primero de sus álbumes, alcanzó el puesto número uno en la UK Singles Chart. La canción hizo además que Mercury ganara un premio Ivor Novello póstumo. El crítico de Allmusic Eduardo Rivadavia describió a Mr. Bad Guy como "impresionante desde el principio hasta el final", y expresó que Mercury "hizo un considerable trabajo de exploración en tierras desconocidas".
Barcelona, grabado con Montserrat Caballé, combina elementos de la música popular con la ópera. Algunos críticos calificaron el trabajo como "el CD más extravagante del año". Caballé, por su parte, consideró al álbum como uno de los mejores éxitos de su carrera. El sencillo que lleva el nombre del álbum se ubicó en el momento de su lanzamiento en el octavo puesto en las listas de sencillos británicas y fue todo un éxito en España, donde el tema se convirtió en el himno oficial de las Olimpiadas de 1992, celebradas en Barcelona un año después de la muerte del cantante, y tras lo cual el tema subió hasta la segunda posición de las listas, cinco años después de su publicación. Además, Caballé lo interpretó en la final de la UEFA Champions League de 1999, disputada en Barcelona.
Además de sus dos álbumes como solista, Mercury lanzó muchos otros sencillos, incluyendo su propia versión de la canción "The Great Pretender", que se ubicó en el quinto puesto en Inglaterra en 1987. En septiembre de 2006, se lanzó un álbum recopilatorio —titulado Lover of Life, Singer of Songs— de algunos trabajos de Mercury como solista, en conmemoración al 60º aniversario de su nacimiento, y en Estados Unidos en noviembre, casi coincidiendo con el 15º aniversario de su fallecimiento. El disco ocupó el décimo puesto en las listas de venta.

Influencia
De niño, Mercury escuchaba música hindú, y una de sus primeras influencias fue el cantante Lata Mangeshkar, a quien tuvo la oportunidad de ver en directo en la India. Después de mudarse a Inglaterra, Mercury se hizo fanático de Aretha Franklin, The Who, Jim Croce, Elvis Presley, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Jimi Hendrix y The Beatles. Otro de los artistas favoritos de Mercury era la cantante y actriz Liza Minnelli. Una vez explicó: "Una de mis primeras inspiraciones surgió de Cabaret. Adoro a Liza Minnelli. La forma en la que canta, la pura energía".

Críticas y controversias

Portador del virus VIH y orientación sexual
Mercury ocultó el tener sida durante muchos años, y se ha sugerido que podría haberse ahorrado mucho dinero en tratamientos médicos si hubiera tratado su enfermedad desde el principio. Mientras que algunos críticos sugieren que Mercury ocultó al público su orientación sexual, otras fuentes se refieren a él como "abiertamente gay". Mercury se refirió a sí mismo como "gay" en una entrevista de 1974 con la revista NME. También dijo ser "bisexual" en una ocasión. Por otra parte, él usualmente se distanciaba de Jim Hutton durante los eventos públicos en la década de 1980. En una encuesta realizada por el diario Clarín, Freddie Mercury fue elegido como "el gay más valiente al hacer su homosexualidad pública". Brian May comentó sobre esto que considera que "llamarlo gay es algo muy simplista, esto sucede por darle demasiada importancia a su vida personal".
Por otro lado, según algunas de las noticias más recientes referentes a su muerte, el diario británico Daily Mail ha consultado a médicos que dicen que si Mercury hubiera aguantado otro año hoy seguramente estaría vivo, gracias a los avances científicos. El cantante supo que era seropositivo siete años antes de morir, pero metía las medicinas en su mansión con total secretismo, para que nadie sospechara.

Otras controversias
Los miembros de Queen fueron duramente criticados en la década de 1980 debido a que quebraron un boicot cultural de Estados Unidos al realizar una serie de conciertos en un complejo de entretenimiento llamado Sun City en Bophuthatswana, en Sudáfrica, cuando todavía imperaba el apartheid, hacia el año 1984. Como resultado de estos conciertos, Queen recibió muchas críticas de varias revistas, entre ellas de NME.
Otra controversia tuvo lugar en agosto de 2006, cuando una organización llamada Movilización y Propagación Islámica peticionó al Ministro de cultura del Gobierno de Zanzíbar que suspendiera la celebración a gran escala que tendría lugar por el 60º aniversario del nacimiento del cantante. Dicha organización alegaba que Mercury no era de Zanzíbar y que al ser homosexual contradecía su interpretación de la sharia. Además, consideraba que el hecho de "asociar a Mercury con Zanzíbar degrada nuestra isla, que es parte del Islam". Finalmente, la celebración fue cancelada.


Legado
Popularidad duradera
En Estados Unidos, donde la popularidad de Queen decayó en la década de 1980, las ventas de sus álbumes crecieron enormemente en 1992, al año siguiente de la muerte de Mercury. En ese mismo año, un crítico estadounidense escribió que "lo que los cínicos llaman el factor de la 'estrella muerta' ha sucedido con Queen, que está resurgiendo". La película Wayne's World, que incluye entre su banda sonora la canción "Bohemian Rhapsody" también fue lanzada en 1992. Según la RIAA, Queen vendió en total 32,5 millones de álbumes en Estados Unidos y más de la mitad fueron vendidos después de la muerte de Mercury en 1991.
En el Reino Unido, Queen pasó en total más semanas en las listas que ninguna otra banda (incluyendo a The Beatles), y el álbum de Queen Greatest Hits es el álbum más vendido en Gran Bretaña hasta el día de hoy. Dos de las canciones de Mercury, "Bohemian Rhapsody" y "We Are the Champions" fueron votadas como las mejores canciones de todos los tiempos en una encuesta hecha por Sony Ericsson.

Homenajes
En Montreux, Suiza, se erigió el 25 de noviembre de 1996 una estatua en su honor. Tiene tres metros de alto y fue realizada por la escultora Irena Sedlecka, mientras que los gastos corrieron por cuenta de Bommi Bulsara y Montserrat Caballé. Una estampilla real fue impresa en su honor y también se colocó una placa en la casa a la que se mudó con su familia en 1964, a los 17 años.

Importancia en la historia del sida
La muerte de Freddie Mercury representó un momento importante en la historia del sida. En abril de 1992, el resto de los miembros de Queen fundaron la Mercury Phoenix Trust y organizaron el concierto homenaje a Freddie Mercury.
El Concierto homenaje a Mercury, que tuvo lugar en el estadio de Wembley, incluyó actuaciones en directo de Robert Plant, Roger Daltrey, Extreme, Elton John, Metallica, David Bowie, Annie Lennox, Tony Iommi, Guns N' Roses, Elizabeth Taylor, George Michael, Lisa Stansfield, Def Leppard y Liza Minnelli. Este concierto fue transmitido en directo a 76 países y se estima que fue visto por mil millones de personas.

Aparición en las listas de personas más influyentes
Muchas encuestas revelaron que la reputación de Freddie Mercury creció desde su muerte. Debido a esto, fue ubicado en el puesto 58 en la lista de los 100 británicos más influyentes realizada en 2002 por la BBC. Pese al hecho de haber sido duramente criticado por activistas gays debido a que escondió su condición de portador del virus VIH, Paul Russell lo incluyó en su libro The Gay 100: A Ranking of the Most Influential Gay Men and Lesbians, Past and Present.

Discografía con Queen
  • 1973: Queen
  • 1974: Queen II
  • 1974: Sheer Heart Attack
  • 1975: A Night at the Opera
  • 1976: A Day at the Races
  • 1977: News of the World
  • 1978: Jazz
  • 1980: The Game
  • 1980: Flash Gordon
  • 1982: Hot Space
  • 1984: The Works
  • 1986: A Kind of Magic
  • 1989: The Miracle
  • 1991: Innuendo
  • 1995: Made In Heaven
Discografía solista
  • 1985: Mr. Bad Guy
  • 1988: Barcelona (con Montserrat Caballé)
  • 1992: The Freddie Mercury Album
  • 1992: The Great Pretender
  • 1993: Remixes
  • 2000: The Solo Collection
2006: Lover of Life, Singer of Songs — The Very Best of Freddie Mercury Solo



Freddie Mercury : QUEEN / RAPSODIA BOHEMIA
Investigación Gustavo Taormina

NICOLAS "PIPO" MANCERA

Nicolás Mancera, más conocido como Pipo Mancera, nació en Buenos Aires, un 20 de diciembre de 1930 y falleció también en Buenos Aires el 29 de agosto de 2011, fue uno de los presentadores más importantes de la  televisión argentina. Estudió locución y trabajó en radio y cine.

A principios de la década del `60 se desempeñó como periodista cinematográfico en el programa de TV "Pantalla gigante". Por aquellos años condujo el musical "La noche" y fue productor en el filme "La calesita", drama de Hugo del Carril. Como actor se inició en "El crack", de José A. Martínez Suárez, donde se escucha por radio un extenso comentario suyo, y en 1965 se interpretó a sí mismo en una escena de "Bicho raro" con Luis Sandrini, actuando asimismo en algunos capítulos de "Las Aventuras de Hijitus".

Haciendo un poco de historia, recordamos que Nicolás Mancera, que también era periodista de espectáculos, viajó a Francia y se interesó por el Show de Yves Montand (Yves Montand on Broadway, 1961). Con un formato similar lanzó en 1962, un 6 de enero de ese año, Circulares con Mancera en Canal 9 que fue su mayor éxito, cuya duración era de seis horas, con entretenimientos, reportajes y música. Fue el introductor en la Argentina del formato llamado "ómnibus". En 1964 firmó contrato Canal 13 Proartel cambiando el nombre por Sábados Circulares con Mancera. Hizo pruebas de escapismo, doma de leones y las primeras "cámaras sorpresa" y por allí pasaron las figuras nacionales e internacionales más reconocidas de la época. Entre otros: Sandro, Lola Flores, Raphael, María Félix, El Cordobés, Pelé, Serrat, Geraldine Chaplin, Marcello Mastroianni, Simone Signoret, Sophia Loren, Atahualpa Yupanqui, Sean Connery, Gila, Irineo Leguisamo, Lolita Torres, Leonardo Favio, Cacho Fontana, Juan Verdaguer, Ringo Bonavena, Alberto Closas, Alain Delon, Luis Sandrini, Libertad Lamarque, Tita Merello, Niní Marshall, Rubén Juárez, Aníbal Troilo "Pichuco". Llegó a tener un pico de 80 puntos de rating. Durante los 1960 y a principios de los 1970 el programa era retransmitido en simultáneo o en diferido por telemisoras de casi todos los países hispanoamericanos. Fue relanzado en 2007 por la señal Crónica TV, año en el que además recibió el premio Cóndor de Plata a la trayectoria, entregado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina.

En 1971, Mancera presentó a un "chico malabarista", hacía malabares con una pelota de fútbol. Era Diego Armando Maradona, que por entonces tenía diez años. También proyectó la primera entrevista televisiva al futuro astro, en la que Diego afirmaba que su sueño era jugar el mundial de fútbol.

A fines de 1975 dio por terminado su ciclo y regresó en 1978, presentando un programa que no tuvo éxito y se caracterizó por tener un "detector de mentiras", como decía él. Retornó al medio en 1983 con "Videoshow", que solamente estuvo un mes al aire. Produjo programas en Francia e Italia. A fines de los `80 fallece su esposa, lo que le produce una gran depresión por la que estuvo siete años alejado de la actividad artística. En 1996 fue convocado para que reapareciera en televisión, tras 20 años sin éxito, con una temática diferente a la habitual, convirtiéndose en un referente.

Como periodista fue columnista del diario La razón y sostuvo un ciclo radial después de haber estado muchos años radicado en Uruguay. En 2005 fue entrevistado para un documental en homenaje a Niní Marshall. Desde hace algunos años estubo casado con la coreógrafa Esther Ferrando.

Mancera fallecía la tarde del 29 de Agosto de 2011 de un paro cardíaco en su casa a los 80 años. El viernes se había internado en una clínica privada con un cuadro de hipertensión, pero recibió el alta al día siguiente según se pudo saber.

Sandro y Pipo Mancera.













Juan Eduardo, Pipo Mancera y Juan Marcelo.




















Joan Manuel Serrat junto a Pipo Mancera.











PIPO MANCERA - SABADOS CIRCULARES
Investigación Gustavo Taormina

KATUNGA

En el año l970 Diego Chamorro regresa de un viaje a New York donde queda impresionado al ver una actuación de Santana. En ese momento era integrante del grupo La Joven Guardia.
Su deseo era hacer algo parecido a lo que había visto en New York y se lo comenta al productor Fernando Falcón inmediatamente trabajaron en el proyecto y fue así como se formó el grupo ZANDUNGA. Creadores del afro rock argentino, al comienzo se lo denominaba “Super Grupo” ya que estaba integrado por músicos de bandas muy conocidas en la época como Los Walkers, Piel Tierna, y el ya nombrado La Joven Guardia. Graban su primer disco en el sello Polygram (Mi cama y Marijuana ay ay ay).
Actúan en los mega festivales de rock de la época con un éxito sin precedentes, tanto es así que la RCA les ofrece un contrato multimillonario para que pasen a pertenecer a su staff. A partir de ahí y por problemas legales debieron cambiar su nombre y ZANDUNGA se transformó en KATUNGA. Graban para la RCA su primer placa "Indiferencia" tema con el que llegan a la final en el Festival Internacional de Mar del Plata consagrándose definitivamente. A partir de allí comienzan a tomar un estilo propio que lanzará al grupo KATUNGA a una consagración definitiva en el plano popular, ya que su música es aceptada por todas las clases sociales y diferentes edades. Los productores Cacho Améndola y Horacio Martínez traen el tema Veo veo, qué ves y logran su primer Disco de Oro en el año 1971. Aquí podemos escuchar un sonido que será inconfundible llegando a tener el título de “RITMO DE KATUNGA”, ya que nunca se lo pudo “encuadrar” dentro de ningún género musical.
Este estilo influyó en las posteriores generaciones, tanto es así que grupos actuales como Los Auténticos Decadentes reconocen admirar y encontrar sus raíces en el grupo KATUNGA. En una nota reciente en el diario Clarín, el periódico de mayor tirada de Argentina, ponen a KATUNGA como el inicio de una serie de grupos entre los que están Los Twist, La Mosca etc.

En el año 1972 se radican por más de un año en España donde graban un disco en idioma inglés, italiano y español para el mercado europeo llamado KATUNGA MANÍA. Recorren toda España con su show y tienen el orgullo de compartir escenario con grandes figuras internacionales como Ray Charles, Joan Manuel Serrat, Manolo Escobar, Barrabas etc.
A su regreso a la Argentina se encuentran con que la RCA, debido a su dilatada ausencia había perdido interés para editar nuevo material discográfico, pero fueron el productor Lalo Fransen y el consagrado Palito Ortega quienes influyeron para que la compañía discográfica apostara nuevamente a KATUNGA. Fue que entonces graban el “Mirá para arriba, mirá para abajo” y “Por una negrita” dentro de un Long Play que sería un éxito sin precedentes no sólo en Argentina sino que los lanzaría internacionalmente al grado de Nº 1. Por el consagrado éxito, la revista Record World de Miami le da el Premio al Grupo más Popular del año de Latinoamérica.
Recorren en gira países como Venezuela, Perú, México, Bolivia, Colombia, Ecuador, Panamá, Chile, Paraguay, Uruguay, etc. países que a lo largo de los años siempre regresan pues su paso ha sido inolvidable. Luego de los temas arriba mencionados se suceden infinidad de éxitos y discos de oro en Argentina y en el exterior.
En los ’80 termina su contrato con la RCA y comienza una nueva etapa en el sello discográfico Microfón. Allí sigue el éxito con temas como “El que no baila es un aburrido” y filman la serie de películas “Los éxitos del amor”; “La carpa del amor” y “La discoteca del Amor”. Anteriormente ya habían tenido participación en varias películas, Ya en el año l989 en el programa del Capo Cómico Alberto Olmedo con su personaje “El Mano Santa”, KATUNGA impone “El Negro no puede”.

La trayectoria de KATUNGA lleva ya más de 30 años y 40 discos larga duración en los formatos más disímiles como Cassette, Magazine, Long Play, CD, etc. y sería imposible en esta reseña volcar toda la historia llena de anécdotas y situaciones, algunas por qué no, tristes, otras, la mayoría llenas de alegrías y de agradecimiento a la vida por todo lo que le dio al grupo KATUNGA a lo largo de todos estos años. Es la idea de la productora, editar un libro con toda la historia, rica en vivencias y plena de experiencias recorriendo los miles de escenarios a través de su propia historia.


DIEGO CHAMORRO (Guitarrista vocalista)
Comenzó su historia de éxitos con el grupo 7° Brigada ganando dos discos de oro por los temas “Paco Camorra” y “Juan Camelo”.
Luego ingresa a La Joven Guardia en lugar de Roque Narvaja, estando un año recorriendo con este grupo el país y tuvo la posibilidad de viajar a New York donde ve en el Filmore al grupo Santana y de ahí toma la idea de formar algo parecido en Argentina.

ALBERTO CHAMORRO (Baterista)
Como su hermano Diego, integra el grupo 7° Brigada y luego de la disolución de este grupo, como músico profesional acompaña a grandes estrellas del espectáculo, hasta que es requerido por el grupo Katunga donde con su ritmo marca un estilo sin igual.
Famoso por sus “Solos” de batería y por sus inigualables ojos verdes es uno de los más requeridos del grupo por las Fans.

NORBERTO KASDAGLIS (Tecladista y coros)
Sus arreglos desde hace más de diez años le dieron a Katunga un impulso que mejoró notablemente la musicalidad del grupo, sin perder la esencia de sus orígenes. Comienza como arreglador y músico de Antonio Prieto, un ícono dentro de los cantantes de boleros, luego integra el grupo Los Gansos para después luego integrarse a Katunga poniéndose la camiseta y siendo ya un integrante más que siente a Katunga como algo propio.

EFREN RODRIGUEZ (Percusionista y coros)
Cubano de origen, integra en su país las más afamadas bandas de salsa y merengue recorriendo el mundo con su ritmo aplicado a las tumbadoras, timbaletas y bongoes hasta que arriba a la argentina donde decide quedarse y luego de un tiempo de mostrar su música en diversos locales de salsa y tocar con Machito Ponce se integra al grupo Katunga, de esto hace aproximadamente 6 años, y a partir de ahí, a la par de Alberto es uno de los fogoneros en el ritmo que imprime Katunga en todas sus actuaciones. Se siente más que feliz de integrar Katunga ya que en su juventud, en su Cuba natal, escuchaba todos los temas del grupo allá por los 70 donde Katunga era muy difundido por las radios con un éxito arrollador.

RUBEN ALONSO (Bajista)
Como los hermanos Chamorro, también integró el grupo 7° Brigada y es por eso que los une una amistad y entendimiento musical fuera de lo común, ya que crecieron juntos como personas y como músicos.
Eran adolescentes con sueños de triunfo en una carrera muy difícil como es la música y juntos lograron llegar a este presente de Katunga.
Rubén es considerado uno de los mejores bajistas de ritmo caliente, aún cuando su tranquilidad y su serena visión de la vida no reflejará todo el ritmo que lleva en sus manos.


Participaciones en Películas
Año 1979 "Los éxitos del amor", con Cacho Castaña, Jorge Martinez, Ricardo Darin, Franco Simone, Katunga, Carlos Bala.
Año 1980 "La carpa del amor" con Darío Vittori, Santigo Bal, Katunga, Los Linces.
Año 1980 "Así no hay cama que aguante" con Jorge Porcel, Alberto Olmedo, Katunga, Chico Novarro, Luisa Albinoni.
Año 1981 "Toto Paniagua" con Ricardo Espalter, Enrique Almada, Katunga, Ana María Giunta, Chiqui Pereira.

Participaciones en Programas de TV
Todo por 2 pesos
Movete con Georgina
Almorzando con Mirtha Legrand
Cronica TV Especiales
Susana Gimenez
Monumental Moria
Showmatch
Pipo Pancera


KATUNGA - POR UNA NEGRITA
Investigación Gustavo Taormina

CHiP’s PATRULLA MOTORIZADA

Corría la década del setenta y en Estados Unidos, la policía era la institución más desprestigiada, por eso el productor Rick Rosner que según un articulo de la revista TV Guide de 1998, perteneció al Departamento del Sheriff del Condado de Los Ángeles, y en una pausa para tomar café se cruzo con dos integrantes de la Patrulla Motorizada, lo cual lo inspiró para crear esta serie para mejorar la imagen de estos hombres que protegían a la ciudadanía. Su título se debía a la abreviación de las siglas de Patrullas de Camino de California, en inglés, California Highway Patrol y fue producida por MGM Studios, originalmente fue presentada en la NBC desde el 15 septiembre de 1977 al 17 de junio de 1983 y constaba de 139 episodios en seis temporadas.

CHiPs, era un drama de acción  que contaba la historia de un par de policías en motocicleta que patrullan las carreteras de la ciudad de Los Angeles. John Baker (Larry Wilcox), era el típico rubio y de ojos claros y Frank Poncharello “Ponch” (Erick Estrada), con su aspecto latino (de ascendencia mexicana) y su eterna sonrisa “mataba” a las damas de la época. El elenco estaba conformado además por figuras como Robert Pine como el Sargento Joseph Getaer, Paul Linke como el Oficial Gossman, Michael Dorn como el Oficial Truner, Tina Gayle, como la Oficial Linahan.
Durante los capítulos se destacaban una gran cantidad de accidentes automovilísticos ya que la mayoría de las escenas transcurrían en autopistas, pero nunca moría nadie. También en algunos capítulos salían como co-protagonistas algunas “estrellas” del momento Bruce Jenner (Atleta), James Brown (Músico), Sony Bono (Músico), Robert Englud (Fredy Krueger), Laura Brannigan (Cantante), entre otros.

CHiPs, lanzó a la fama al actor Erik Estrada, proveniente de una familia de origen mexicano del barrio de Harlem, de Nueva York, y quien una vez finalizada la serie dedicó su carrera al teatro, filmes para televisión y a telenovelas, en la quinta temporada entre los años 1981 y 1982, Estrada no estaba de acuerdo sobre la distribución de las  ganancias y como resultado se ausentó en siete episodios y  fue reemplazado por Bruce Jenner como Steve McLeish. A pesar del éxito de que tenian en la pantalla, Wilcox y Estrada no siempre se llevan bien detrás de la cámara y en la temporada del 82 Larry Wilcox por causas del favoritismo que tenían los productores hacia Estrada, dejó su papel y fue reemplazado por Tom Reilly como el Oficial Bobby “Hot Dog” Nelson, Eric disgustado con Reilly en la vida real por su detención por posesión de sustancias, dio como resultado que Bobby aparecía mucho menos en los episodios, momento en que la serie decayó y duró solo una temporada más.
Ponch fue concebido originalmente para ser italiano "Poncherini", pero cuando Erik Estrada fue elegido para el personaje fue cambiado por un integrante de la comunidad mexicana. Generalmente la serie se rodó en el Valle de San Fernando de California. A pesar de los dobles que se utilizaron para algunas secuencias de riesgo, Wilcox y Estrada realizaron la mayor parte de las tomas andando en sus motocicletas y varios trucos de sí mismos. Aunque Wilcox salió relativamente libre de lesiones, Estrada sufrió lesiones diversas en varias ocasiones a lo largo de la serie. Otra curiosidad es que Estrada no tenía experiencia en el manejo de motocicletas, por lo cual fue sometido a un entrenamiento intensivo de ocho semanas, y recién en el 2007 se reveló que no poseía licencia para manejar motocicletas e el momento del rodaje de la primera temporada. Estrada y Wilcox nunca sacaron sus armas de fuego en el transcurso de la serie.

La NBC emitió reposiciones de esta serie en su horario diurno a partir de Abril - Septiembre de 1982. John Parker  fue el encargado de realizar el tema musical para la presentación de la serie. En 2006, una edición limitada de la banda sonora fue lanzado en CD por Movies Música Clásica división de Turner, con las grabaciones originales del tema principal de John Parker y dirigido por Alan Silvestri.
En 1998, se realizó una película para televisión titulada CHiPs '99 fue creada y producida por TNT, la cual fue todo un éxito al igual que la serie. En 2003, hubo un intento de producir la vuelta de la serie a la pantalla con un nuevo elenco y la NBC, decidió no seguir adelante con el proyecto. Warner Home Video ha lanzado las dos primeras temporadas de "CHiPs" en DVD en las regiones 1, 2 y 4.

A partir de junio de 2009 vuelve CHiPs a la Pantalla de Tv, la nueva "Chips" contará en la dirección con Doug Liman, realizador del filme "Identidad desconocida" La serie, filmada originalmente en la ciudad de San Francisco, será producida por los estudios Warner Bros y saldrá al aire por la misma cadena que emitió a la original en los años setenta, NBC y está protagonizada por los actores Zach Braff y Donalds Faison.
Larry Wilcox

Erik Estrada

 Robert Pine

INTRO CHIP'S PATRULLA MOTORIZADA
Investigación Gustavo Taormina

BONEY M

Boney M. era un grupo de Música Eurodance y Disco, que alcanzó excepcional fama durante la década de los 70. Fue creado por el productor alemán Frank Farian en 1975, que por entonces trabajaba para la discográfica alemana Hansa, una compañía que en la década siguiente lanzaría a Modern Talking.
Su nombre proviene de Boney que era el nombre del personaje de una serie de televisión de Australia y estaba compuesto por cuatro artistas de las Antillas que trabajaban en Londres, Alemania y Holanda: las cantantes Marcia Barret, originaria de Santa Catalina, Jamaica, nacida un 14 de octubre de 1948, y Liz Mitchell, de Clarendon, de Jamaica, nacida el 12 de julio de 1952, la modelo Maizie Williams de Montserrat, de las Antillas Británicas, nacida el 25 de marzo de 1951 y el ex DJ Bobby Farrell de Aruba, Antillas Holandesas, nacido un 6 de octubre de 1949.
Aunque el grupo tuvo cambios en sus miembros, Maizie Williams siempre estuvo desde el principio. Claudia Berry, una de las primeras integrantes, no satisfecha con ser simplemente cantante de estudio, lo abandonó de forma inesperada en febrero de 1976, días antes de que el grupo apareciera en un programa de televisión en Sarrebruck. Marcia Barret recomendó a Liz Mitchell, que había sido miembro de Les Humphries Singers, para que reemplazara a Claudia en el programa. Farian quedó impresionado con su actuación y entró a formar parte del grupo y de la grabación de su primer LP, Take The Heat Off Me, que fue una pieza experimental de Música Disco, si bien en la carátula del LP aparecía la foto de los integrantes de la banda, Farian no quería mostrarlos en vivo aún, pese a que ya los críticos miraban con buenos ojos estos nuevos sonidos. Faltaban aun más ideas que explorar.

La gran oportunidad vino al final del verano del 76, cuando el productor musical de TV “Mike” Leckebusch, de Bremen, solicitó una actuación para su programa Musikladen. Boney M apareció en directo el 18 de septiembre de 1976 a las 10 de la noche con su propio espectáculo. Al final de la semana siguiente Daddy Cool fue Nº 1 en Alemania.
Luego vinieron más éxitos como "Sunny", "Gotta go home", "Ma Baker", "Belfast", "Rivers Of Babylon", "Rasputin", "Mary's Boy Child", etc. Más o menos se conocen 16 discos editados por esta banda en nuestro país, pero calculamos que debe haber más.

Boney M además de hacer Música Disco se atrevían a resaltar lo político, como es en el caso del tema “Belfast”, con un sonido desafiante, en medio de las balas, los atentados, los discursos políticos, las religiones y la muerte, sacar una canción de esas características era realmente valiente.
Pero los productores de la banda y los dirigentes de los sellos discográficos no miraron muy bien a esta canción decidieron simplemente censurarla para Estados Unidos y Canadá, con el temor a perder fama por parte de hacer pensar a la gente. Tampoco fue incluida en la versión norteamericana de "Love For sale" y fue reemplazada descaradamente por la inocente "Daddy Cool" para evitar polémicas y enojos.
En 1986, a diez años después de su lanzamiento con su formación original, el grupo acumulaba 18 discos de platino, 15 discos de oro y cerca de 150 millones de unidades vendidas por el mundo, el grupo desaparece; sin embargo se reúnen de vez en cuando para apariciones esporádicas en televisión y recordar sus éxitos más populares.

El 30 de diciembre del 2010 Bobby Farrell de 61 años, fue encontrado muerto en una habitación de hotel en San Petersburgo, ciudad en la que se encontraba de gira, debido a un ataque al corazón. Su cuerpo fue repatriado a Holanda el 3 de Enero de 2011, su funeral se realizó el 8 de Enero y por primera vez en más de 20 años Liz Mitchell, Maizie Williams y Marcia Barret se juntaron para despedir A Bobby Farrell

En un ranking de ventas en 2010 dentro del Reino Unido, Boney M aparece en el quinto y décimo lugar con los dos de sus temas e iguala a la hazaña solo realizada por Los Beatles.
 Maizie Williams

Liz Mitchell

 Bobby Farrell

 Marcia Barrett

BONEY M - Gotta Go Home (Long Version, 1979)
Investigación Gustavo Taormina

ROMULO MANGINI Y EL AGUA TONICA PASO DE LOS TOROS. UNA HISTORIA DULCE Y AMARGA

“Todo comenzó una tranquila tarde de pueblo con un desafío. Después, Rómulo Mangini intentó conseguir la fórmula durante uno o quizá dos años. Al fin lo logró y su invento fue un éxito. Desde entonces, millones de personas han gastado millones en comprar millones de litros del agua tónica de Mangini. Un agua dulce y amarga, como su historia.”

Paso de los Toros es una ciudad ubicada en el centro geográfico de Uruguay, perteneciente al departamento de Tacuarembó y ubicada sobre la ribera norte del Río Negro, donde vivían baqueanos que ayudaban a las carretas y a las tropas a cruzar el río, muy peligroso cuando la corriente era grande. Por su valor personal y fuerza, estos baquianos se los llamaban “Hombres Toros”. Así explica Pedro Armúa, en su Historia de Paso de los Toros. Actualmente es la segunda ciudad con mayor población en el departamento, luego de la ciudad de Tacuarembó, y fue fundada el 17 de Julio de 1903.
Hubo un tiempo en que la fábrica fue el orgullo y el motor del pueblo: allí trabajaron casi cien personas. Hoy la fábrica no existe, el agua tónica es propiedad de Pepsi Cola (Pepsico Inc., Nueva York) y en Paso de los Toros lo único que queda es un cartel despintado al borde de la carretera que tiene el logotipo del agua tónica y dice: "Aquí nació Paso de los Toros".

Rómulo Mangini nació en Montevideo en 1883. En un escrito nunca publicado, su pariente también fallecido, Julio Monestier recuerda que Mangini estudió química y que se destacó en la lucha grecorromana, "actividad ésta que le valió medallas de oro y plata en 1919 y 1917 en torneos patrocinados por los clubes La Razón y L 'Avenir".
En 1924 Mangini, había llegado a Paso de los Toros para trabajar en el comercio de la familia de su esposa, instaló una pequeña fábrica de soda. Un año después la amplió y comenzó a fabricar el jabón Terú Terú, y en 1926 incorporó a su producción refrescos con gustos de frutas. Aunque aún hoy en Paso de los toros se recuerda el dulce sabor de la Manzanal, solo uno de aquellos productos sobrevivió y se hizo verdaderamente famoso.
 
Ya en Paso de los Toros, convertido en próspero industrial, dos veces Mangini fue desafiado a volver a luchar. Ambas peleas fueron empatadas.
Pero su mayor desafío se lo adjudicó a un inglés llegado al pueblo de la mano del ferrocarril. Se llamaba Jorge Jones y era "un amante de la buena vida y exquisito bebedor", relata Pedro Armúa, agregando que Jones además llevó el primer automóvil a Paso de los Toros y también la primera pelota de fútbol.

Por entonces, la tónica más consumida en Uruguay era la Bull Dog, importada de Inglaterra. Una de las tantas tardes en que Mangini y Jones coincidieron en el club 25 de Agosto, el inglés desafió al uruguayo: ¿por qué no fabricaba un agua tónica tan buena como la inglesa?
Mangini respondió que no sabía la fórmula y Jones le contestó que él conocía los ingredientes, pero no las proporciones. Allí mismo, Jones le dijo a Rómulo  cuáles eran los componentes. Pocos días después Mangini hizo su primer intento y se lo dio a probar al inglés.
Así pasaron los meses, probando la fórmula uno, probando su sabor el otro.
Un folleto editado por Pepsi en 1992, escrito por su ex funcionario Carlos Pijuán, relata que Mangini "se sumergió en una febril búsqueda de hierbas silvestres y frutas. Ninguna se salva de ser exprimida, diluida, mezclada. Agita, deja reposar, prepara fuego con leña, calienta el brebaje, lo enfría, y con él concurre al club una y otra vez durante dos años”.
Julio Monestier, un familiar de Mangini recientemente fallecido, cuenta en un escrito inédito que esos "largos meses de tanteos y experimentos tuvieron al final su recompensa" el día que Jones sentenció: "Esta es verdaderamente el agua tónica inglesa”.
Apenas Jones dio el visto bueno, Mangini comenzó a fabricar el agua tónica.

Las fuentes no coinciden respecto a la fecha de inicio de la producción, se sabe que fue en los años 20. Su primer nombre fue "Príncipe de Gales". La calidad del paladar de Jones fue ratificada por el público: la nueva bebida fue un éxito en el pueblo. Luego su fama llegó a Durazno. Los pedidos crecieron de tal modo que pronto Mangini dejó de fabricar jabón y se concentró en las bebidas, sobre todo en la tónica. Con el paso del tiempo y viendo que la fama de su agua seguía creciendo, le cambió el nombre para homenajear al pueblo clónele la había creado: Paso de los Toros.

En la pizzería 18 de julio, en Paso de los Toros, todavía conservan tres de aquellas primeras botellitas, que cada día eran más requeridas. En 1946 ya se vendían en la capital. "Mi padre le llevaba un camioncito chico por semana a un tal Sanguinetti que empezó a distribuir la tónica en Montevideo", relató Paladino. Aquello del camioncito chico una vez por semana "habrá durado seis meses " porque los montevideanos cada vez pedían más y hubo que multiplicar los envíos.

Pero el éxito comenzó a generarle un problema a Mangini: su fábrica no daba abasto y él carecía del capital necesario para ampliarla.
"Un día a Rómulo se le ocurrió ofrecerle a unos baristas grandes de Montevideo hacerse accionistas", continuó Paladino.
Mangini le propuso a Sanguinetti que lo ayudara a conseguir el apoyo de esos comerciantes. Pero, recordó Paladino, el distribuidor montevideano le respondió a Mangini: "Con esas agüitas sucias no vas a hacer mucho".
Consiguió los capitales en 1947. Dos acaudalados hombres de Durazno, Frank Marshall y Adolfo Caors, se asociaron con Mangini para fundar la Sociedad Anónima Agua Tónica Paso de los Toros.
Además, se pusieron en venta acciones en el pueblo, a diez pesos cada una. "De inmediato se instaló en el viejo local una moderna máquina que, aumentó en forma extraordinaria la producción", explica Armúa en su libro.

"En 1947 ya usábamos cuatro camiones para llevar el agua tónica a Montevideo y cada uno hacía tres viajes por semana. En verano, recuerda Paladino, no dábamos abasto. Yo llegué a hacer un viaje por día. Cada vez llevábamos más".

Mautone es uno de los pocos ex empleados de Mangini que sobrevive. Tiene 81 años, diez hijos, más de 60 nietos, ocho bisnietos y un hogar muy modesto ubicado donde la avenida 18 de Julio, la principal de Paso de los Toros, comienza a transformarse en campo. Cuando habla del agua tónica, los ojos le brillan. "Si usted estaba engripado o se sentía mal, se tomaba una y un mejoral y ¡usted volaba!".

Mangini solo confió su fórmula a su empleado de mayor confianza: Vignoly.
"Había un altillo donde se preparaba la esencia, pero solo subían él y Vignoly. Mi papá sabía hacerla Manzanel, que era tan rica, pero el agua, tónica nunca supo", relató Raquel Torres que cuando niña se paseaba entre las máquinas de la fábrica porque su padre era uno de los empleados más antiguos.
Mautone recuerda que "cuando Vignoly terminaba de preparar un jarabe, le haría una seña y el Viejo subía al altillo y probaba. El Viejo siempre tenía que dar el visto bueno".
Sin embargo, había un ingrediente que todos conocían; rayadura de cáscara de naranja.
"Contrataban mujeres para rayar naranja. Las rayaban a mano, con rayadores parecidos a los de cocina. Usaban solo la cáscara y regalaban las naranjas peladas; todo el pueblo comía naranjas gratis", explicó Torres.
Torres no tiene muy buen recuerdo de Mangini. "Tenía mal carácter. Cuando le pedían dinero decía: 'Los pobres tienen que comer polenta y porotos'".
Para Mautone, Rómulo era un jefe duro pero noble: "Como todo el personal, pasé muchos malos ahí, porque trabajé como 20 o 21 años y el Viejo, como todo patrón, tenía sus cosas. Pero cuando precisé, siempre, estuvo puesto".
"¿Sabe cuál era el sistema que tenía para retarnos?", pregunta sentado en una de las dos únicas sillas de su pieza. "Cuando se enojaba empezaba a bajar la escalera, y a medida que se acercaba iba apagando todas las maquinas. Cada paso que se acercaba, más silencio se hacía. Cuando había apagado todo, ahí nos empezaba a retar. Nos gritaba, pero nadie le contestaba. ¡Quién le iba a contestar! ¡Si pesaba como 200 kilos y había sido campeón de lucha grecorromana! Gritaba: 'Si hay algún hijo de una gran puta que me quiera pelear, ¡le pago para que me pelee! Era bravo, pero de buen corazón”.
El 17 de julio de 1948 el periódico isabelino La Idea homenajeó a Mangini y "a la consagrada y recomendada Agua Tónica, conocida y apreciada, no solo por su exquisito sabor sino también por sus condiciones medicinales".
"En honor a la verdad, se decía, es la única fábrica que funciona en esta villa, y que merced al esfuerzo incesante de su gestor y director-técnico, ha llegado a un grado de perfeccionamiento y actividad, que ya no solo es reconocida en este centro de la República, sí que también en el litoral, playas del Este y en la misma metrópoli".
José Pedro Álvarez, hoy de 66 años, recuerda que fue empleado por la fábrica en 1949: "Las máquinas no daban abasto, trabajábamos fuerte de día y de noche, en tres tumos de siete horas".
Precisamente tal era el crecimiento de la demanda en la metrópoli, que a principios de los años 50 Mangini y sus socios instalaron una segunda fábrica, en la avenida Millán, en Montevideo.

“Un día llegaron a Paso de los Toros unos representantes de Pepsi Cola y comenzaron a ofrecer dinero por las acciones de la fábrica", recuerda hoy Armúa. "¡Mucha gente las tenía olvidadas en los roperos! Fue un revuelo, todo el mundo buscando. Pepsi las pagaba muy bien y todos las vendieron locos de la vida”.
Pepsi se dedicó, paso a paso, socio a socio, a conseguir la mayoría de la empresa y lo logró el 14 de febrero de 1955. Con la mayoría también consiguió la fórmula secreta.
Aquello fue duro para Mangini. "Demasiado pronto, el capital accionario del presidente quedó en minoría. El viejo luchador sintió hondamente, que la empresa de toda su vida ya no era 'su empresa"', escribió Monestier.

Poco después, el 19 de enero de 1957, Mangini murió.

“Murió el Viejo v todo cambió", opinó Mautone. EI ex empleado recordó que todas las bebidas "las hacíamos con agua comente, pero la soda y la tónica se hacían con agua de un pozo que estaba en la misma fábrica. La tónica nunca fue la misma, porque el secreto  era el agua de ese pozo. Ahora es agua dulce nomás".

Todos los que vieron la tónica de Mangini, concuerdan en que tenía reflejos azules.
"Era azulada. Uno la ponía a contraluz y veía el tornasol que formaba el aceite, que llevaba, extraído de la cáscara de la naranja. La de antes le sacaba el dolor de estomago como si fuera un medicamento. Ahora es todo hecho en base a productos químicos. Nunca va a ser igual", dijo el ex empleado Álvarez.

Después de la muerte de Mangini, Pepsi cerró la fábrica de Pasos de los Toros.

Los socios, Rómulo Manzini y Jorge (George) Jones quedaron para siempre asociados por el éxito del agua tónica Paso de los Toros.

La Fórmula: La tónica Paso de los Toros fabricada en Uruguay tiene los siguientes ingredientes, según su etiqueta: agua carbonatada, azúcar, saborizantes, quinina y  quasia amara.
El agua tónica fabricada en Argentina tiene ingredientes no exactamente iguales: agua carbonatada, azúcar, acidulante INS-330, extracto de naranja, quinina y quasia.
El agua tónica nació en el siglo XVII, cuando comenzó a mezclarse quinina con agua para conseguir bajar la fiebre. La bebida comenzó a hacerse popular en el siglo XVIIl en Inglaterra.
La quinina es uno de los alcaloides que se extrae de la quina, "ingerida a pequeñas dosis estimula el sistema nervioso y hace más lento el pulso. A dosis mayores congestiona el cerebro, disminuye la excitabilidad refleja de la médula espinal y baja la fiebre. Su principal aplicación es contra el paludismo (malaria), como antipirético y tónico".

Fuente: Artículo en la Revista Galería del Periódico "Búsqueda" -  23, Agosto, 1996
PUBLICIDAD "ARROLLA LA SED, PASO DE LOS TOROS" (1992)  
Investigación Gustavo Taormina